Peut-on séparer le bilan carbone de l’artiste ?

Photos “glamour” des jets privés de DJ Snake ou de Kylie Jenner, trente millions d’euros de voitures neuves détruites pour le tournage d’un James Bond, Tom Cruise accueilli par les avions de la patrouille de France au Festival de Cannes, un Hellfest qui pompe l’eau d’une région en stress hydrique pour sauver ses festivaliers du malaise…  

Difficile de lutter avec sa dissonance cognitive lorsqu’on s’installe sur les fauteuils moelleux d’une salle de spectacle, de cinéma ou lorsqu’on accueille une rock star sur la scène principale d’un grand festival. Il y a quelque chose de pourri au royaume de la culture. 

Mais ce que raconte cette dissonance cognitive, c’est une somme importante d’interrogations : cette culture-là est-elle soutenable ? Si elle ne l’est pas, voulons-nous d’un monde sans culture ? Et si non, de quelle culture voulons-nous ? 

Une culture partie du problème

La culture, un secteur hyper consommateur…

La culture est un secteur considérable qui inclut notamment la presse et l’édition, l’audiovisuel, le spectacle vivant, le patrimoine, l’architecture, les arts visuels, les jeux vidéo… et dont les besoins en énergies fossiles sont considérables :

• culture et loisirs forment la troisième cause de mobilité des Français (juste derrière le travail et les achats) ; 
• les seuls déplacements des spectateurs vers les salles de cinéma provoquent chaque année près d’un million de tonnes équivalent CO2 ;  
• la culture représente le premier poste de consommation de données sur internet et de très loin (environ 60% des gigas consommés sur internet en comptant VOD et SVOD, jeux vidéos, médias, … et plus de 80% si l’on inclut la pornographie qui fait partie de la production et de l’édition audiovisuelle) ;
• elle réunit des dizaines de milliers de bâtiments souvent très dépendants des énergies fossiles. Le bilan carbone des salles de spectacles labellisées gravite autour de 1000 tonnes équivalent CO2 par an (dont 30 à 50% proviennent du chauffage au gaz) ;
• elle est aussi un énorme moteur du tourisme en participant souvent au “marketing territorial” des collectivités. A titre d’exemple, le Festival d’Avignon assure aux restaurateurs et hôteliers du centre-ville près de 60% de leur chiffre d’affaires. De même, la quasi-totalité du bilan carbone du musée du Louvre (3,4 millions de tonnes de CO2) provient de la venue en avion de ses visiteurs étrangers. 

…qui doit diminuer drastiquement ses émissions

On entend déjà les critiques : la culture nous apporte tellement, pourquoi la condamner pour ses émissions ? On peut déjà douter du fait que toute la culture nous apporte énormément et on risque de rentrer ici dans un débat sans fin sur la qualité des œuvres. Même si ce débat serait sans doute passionnant, la culture inclut sans distinction de qualité les romans d’Annie Ernaux, de Marc Lévy et de Sylvain Tesson, les émissions de C8, d’Arte et de Blast, Z Event, Les Lapins Crétins ou le dernier opus d’Animal Crossing. 

Pire, cet argument sur ce qu’apporte la culture sous-entend qu’il faudrait une “exception culturelle”. Sauf que cette exception est demandée par tous les secteurs et tous ont de très bonnes raisons : les cimentiers nous apportent beaucoup puisqu’ils fabriquent des maisons, pourquoi leur demander de réduire leurs émissions ? La Stratégie Nationale Bas Carbone est claire : nous devons atteindre la neutralité carbone d’ici 2050 et réduire l’ensemble des émissions nationales de 40% entre 1990 et 2030 pour respecter l’Accord de Paris. 

C’est surtout prendre le problème à l’envers : on ne condamne pas la culture pour ses émissions, ce sont ses émissions qui la condamnent ! Plus ces dernières sont importantes, plus la culture dépend d’énergies fossiles qui réchauffent le climat et sont amenées à se raréfier. 

Un modèle économique à revoir de fond en comble

Une course folle à la croissance…

La plupart des artistes reconnus et des corps de métier qui les entourent (producteurs, diffuseurs, tourneurs, distributeurs, plateformes…) sont aujourd’hui dépendants de modèles hyper énergivores. 

Les artistes de la musique ou du spectacle dépendent, par exemple, de plus en plus des tournées et des festivals. Notamment parce qu’avec une rémunération à 0,0034 dollar par écoute, seuls 1% des artistes de musique perçoivent un SMIC grâce au streaming et parce que, dans le même temps, le marché des ventes physiques (CD, vinyles) s’est effondré et le streaming n’a pas comblé la perte de valeur. 

Sans surprise, les artistes qui gagnent le mieux leur vie perçoivent la quasi-totalité de leurs revenus des tournées qu’ils réalisent en salle ou en festival. Et ces derniers ont tendance à croître d’une manière effrénée.

Pour attirer autant de monde, ces derniers exigent de plus en plus de têtes d’affiche aux cachets et aux besoins techniques croissants également. Ainsi, Coldplay se déplace avec pas moins de deux kits de 32 semi-remorques sur les routes (pour sa tournée “écologique”), Rammstein compte près de 100 semi-remorques, 7 avions cargo pour ses tournées et brûle pas moins de 1 000 litres de fioul pour ses effets pyrotechniques à chaque concert (et le groupe l’affiche comme une fierté sur les réseaux sociaux).

La logique a cependant déjà rencontré quelques limites : il y a quelques années, DJ Snake a dû annuler sa venue aux Francofolies de La Rochelle parce que ses besoins techniques “ne rentraient pas” sur la scène dédiée, d’après une ancienne salariée du festival qui souhaite rester anonyme. 

… à laquelle les artistes sont associés 

Malheureusement, les célébrités ne montrent pas souvent l’exemple en la matière. Les arrivées de Tom Cruise ou Omar Sy en jet privé au festival de Cannes ont été remarquées pour leurs effets sur l’audience présente, nettement moins pour leurs effets sur le climat. Leurs conséquences sont pourtant hors de proportion avec la diminution de la taille du tapis rouge et sa recyclabilité saluées par les organismes publics. 

Mais en réalité, l’impact des célébrités ne s’arrête pas là : ces dernières engendrent aussi des déplacements de publics importants. Ces têtes d’affiche sont là pour attirer de plus en plus de personnes qui viennent de plus en plus loin. Et pour être bien sûr que ce soit le cas, les grandes salles comme les grands festivals pratiquent des “clauses d’exclusivité territoriale”. Ainsi, lorsque Céline Dion est programmée aux Vieilles Charrues, celle-ci n’a pas le droit de tourner en France pendant une durée de plusieurs semaines à plusieurs mois avant et après le festival. 

Un directeur de Scène de Musiques Actuelles qui souhaite rester anonyme nous confiait récemment qu’il accueille des artistes de musiques électroniques qui enchaînent jusqu’à trois ou quatre soirées dans des pays différents la même nuit (souvent sur Amsterdam, Berlin, Paris et Londres) ! Et l’intérêt économique est majeur avec des cachets qui oscillent parfois entre 10 000 et 15 000 euros par live.

Moins de dates, plus de monde ?

Les artistes font donc moins de dates par territoire avec toujours plus de monde. C’est sur ce modèle économique très concentré que reposent les tournées des Zénith ou encore les grands festivals d’été. Pour des raisons principalement financières, l’intensité de programmation augmente (le nombre d’artistes programmés par édition, par saison, etc) et ces programmations sont de plus en plus extensives (les kilomètres parcourus par les artistes augmentent avec de moins en moins de dates de diffusion dans chaque territoire). 

Certains artistes pourraient nous répondre qu’il vaut mieux qu’ils se déplacent plutôt que de déplacer les publics. Sauf que le rythme de diffusion actuelle n’est pas soutenable parce que la croissance des cachets artistiques et des besoins techniques (dont la production et les artistes sont directement responsables) obligent les organisateurs à aller chercher toujours plus de publics qui viennent, forcément, de plus en plus loin. Tout ça ressemble, d’après un tourneur souhaitant rester anonyme, à une grande “course à l’armement”. 

Malheureusement, nous allons le voir, une poignée de spectateurs qui viennent en avion suffit à démultiplier le bilan carbone d’un événement culturel. 

Un peu d’avion… et les émissions décollent

Le Shift Project a estimé que si seulement 3% des festivaliers des Vieilles Charrues viennent en avion, ils font plus de 60% des émissions liées au transport du public ! Ce chiffre n’est pas surestimé quand on sait qu’en moyenne, en France 4% des festivaliers sont étrangers.  

Et nous n’avons pas encore évoqué des festivals autrement plus dépendants du booking aérien pour la venue de leurs spectateurs. A Tomorrowland, ce sont près de 25 000 festivaliers qui arrivent en avion via les “party flights”. Côté Burning Man, on estime que près de 20% des festivaliers ne viennent pas du continent nord-américain et on ne sait pas qui prend l’avion parmi les festivaliers nord-américains… 

Dans le cinéma ou les foires d’art contemporain, même chose, la majorité des émissions des grands événements proviennent rapidement des déplacements des spectateurs, en particulier de ceux qui prennent l’avion. Quoi qu’il arrive, les transports finissent toujours en tête du bilan carbone des événements culturels. 

Qui est responsable des émissions ?

Un problème systémique… 

Le problème est systémique et implique une grande diversité d’acteurs. Un festival ou une salle implique des organisateurs, des tutelles publiques, des prestataires, des artistes, des producteurs, des spectateurs… mais sont-ils tous également responsables ? 

Posons la question autrement : peut-on considérer que ce sont les consommateurs de culture qui décident des modalités de venue des artistes ou de la taille des scénographies ? Remettre la faute sur les spectateurs ou visiteurs apparaît très rapidement comme une reproduction de la stratégie hypocrite des géants de l’agro-alimentaire sur le tri des déchets. 

…dont les décideurs sont connus

Qui décide de l’augmentation des jauges si ce n’est les directions d’organisations culturelles et leurs tutelles publiques qui utilisent ces grands événements pour leur rayonnement territorial ? Qui décide de la taille des scénographies ou des installations si ce n’est les artistes et leurs producteurs qui valident leurs décisions ? Qui valide de construire une bassine de 85 millions de mètres cubes d’eau au Mexique pour le tournage de Titanic si ce n’est James Cameron et ses partenaires ? Ou de faire un barbecue géant avec un Boeing 747 pour le tournage de Tenet si ce n’est Christopher Nolan ?

Ce qui apparaît clairement ici, c’est que c’est bien du côté des producteurs (au sens économique du mot “producteur”, a contrario des consommateurs que sont les spectateurs/visiteurs) que se trouve la responsabilité. 

Et où les artistes participent d’un imaginaire de surconsommation

Là où les artistes jouent un rôle particulier, exactement comme les sportifs de haut niveau, c’est dans la diffusion d’un certain imaginaire. 

Combien de jeunes qui les suivent sur les réseaux sociaux se mettent à rêver de leur ressembler ? Comment ne pas les laisser croire que réussir signifie porter les vêtements des créateurs de luxe, passer ses vacances aux quatre coins du monde et se déplacer en jet toute l’année ? Et n’essayez pas d’interpeller DJ Snake, il ne sera pas forcément agréable…

A contrario, on peut regretter que les artistes qui rendent la sobriété désirable ne soient pas davantage mis en avant. Comme les acteurs Jacques Gamblin ou Clovis Cornillac qui ont récemment favorisé le vélo ou les transports en commun pour se rendre sur leurs lieux de tournage. 

Si rien ne change, tout va changer… et ce sera désagréable

La culture, non essentielle ?

Ne nous y trompons pas, partout où la culture n’aura pas fait sa transition… elle sera la première sacrifiée. C’est ce qui s’est passé lors de la crise du covid où toutes les activités culturelles partagées comme le cinéma ou spectacle vivant ont été jugées “non essentielles”.

Pendant le confinement à Londres, les artistes – qui contrairement à leurs homologues français, n’ont pas été protégés par l’assurance chômage – étaient même gentiment conduits vers d’autres métiers. “Recyclez-vous et changez de métier” clamait la campagne de Boris Johnson. 

C’est aussi ce qui se passe cette année dans des salles de spectacle qui n’arrivent pas à faire face à la flambée des coûts de l’énergie et décident en conséquence de licencier des salariés ou de fermer l’établissement plusieurs jours de la semaine. C’est le cas, par exemple, à la Scène Nationale de la Filature de Mulhouse où les coûts de l’énergie risquent d’augmenter le budget d’environ 600 000 euros par an ou encore à la Halle Garnier où l’électricité coûtera 200 000 euros de plus dans le budget annuel. 

Il n’y aura que quelques actions possibles pour répercuter cette hausse et toutes sont désagréables : augmenter le prix du billet, baisser le nombre d’artistes programmés, réduire la masse salariale de la salle.

Des risques multiples

Nous pourrions ajouter d’autres risques : 

• Les risques hydriques qui ont touché le Hellfest cet été où il a été nécessaire d’asperger les participants à la lance dans un endroit où les agriculteurs n’avaient plus accès à l’eau et où les pompiers n’étaient pas sûrs que les nappes phréatiques tiendraient la durée du festival. Résultat : près d’un millier de malaises dès le premier week-end ; 

• Les risques assurantiels : plus les flux de biens et de personnes sont importants pour un événement culturel et plus l’exposition aux risques pandémiques, énergétiques ou hydriques sera importante. Par conséquent, les assureurs risquent de ne plus vouloir les couvrir ;
• La maladaptation : il est désormais certain que la salle de musique actuelle dénommée la Sirène à La Rochelle portera très bien son nom d’ici 2050… dans la mesure où elle sera sous les eaux.  

Trois transitions possibles

Il n’y a, en résumé, que trois manières de faire la transition d’une salle de cinéma, de spectacle, d’une foire ou d’un festival : 

• y réaliser des améliorations techniques (rénovation thermique, changement des systèmes de chauffage, voitures électriques mutualisés quand c’est pertinent…) : de quoi obtenir, au maximum, 20 à 30% de baisses des émissions d’après les travaux du Shift Project ; 
• y prendre des mesures de ré-organisation importantes, ce qui s’appelle la sobriété : mutualiser les espaces, partager les programmations, ralentir les rythmes de production, défendre l’éco-conception, réduire les jauges lorsqu’elles sont inadaptées pour toucher un public local… de quoi respecter sérieusement l’Accord de Paris ; 
• laisser flamber les prix de l’énergie et regarder l’acteur en question mourir. La pauvreté est sans aucun doute un chemin très efficace pour émettre moins de CO2, mais pas sûr que ce soit le plus désirable. 

Quelle culture pour l’avenir ?

1/ Des créations plus locales…

Le premier levier pour y parvenir est la relocalisation. Avec en premier lieu, la relocalisation des créations. On entend déjà les dents grincer en imaginant la culture se refermer sur elle-même mais cela ne signifie pas la fermeture des frontières. 

L’un des pionniers en la matière est sans aucun doute Jérôme Bel, chorégraphe internationalement reconnu qui a renoncé définitivement à l’usage de l’avion en 2019. Depuis, sa compagnie n’a jamais autant diffusé ses spectacles à l’international et son bilan carbone serait passé de près de 60 tonnes à environ une tonne équivalent de CO2 par an selon la directrice exécutive de la compagnie. 

Comment est-ce possible ? Lorsque Jérôme Bel crée un spectacle en Europe, ce dernier tourne uniquement en train et ferry. Pour le recréer sur un autre continent, deux options : soit Jérôme Bel répète en visio avec un artiste étranger qui diffusera à son tour le spectacle en train, soit Jérôme Bel crée “un protocole de remontage” du spectacle que deux assistants locaux suivent sur un autre continent pour y re-créer puis diffuser le spectacle à leur tour… en train ! 

On pourrait penser que cette pratique est exclusivement réservée à des esthétiques minimalistes comme celle de cet artiste. Pourtant elles sont déjà à l’œuvre pour des pièces avec un cahier des charges nettement moins écologique chez Stage Entertainment qui a recréé le Roi Lion ou Mamma Mia dans plusieurs pays en même temps. Preuve que la logique est réplicable. 

Cela pose une question sur les échanges internationaux de demain : si nous tenons tant à la diversité culturelle, pourquoi les artistes africains, américains ou asiatiques qui viennent sur notre territoire restent aussi peu longtemps ? L’expérience des habitants du territoire d’accueil doit-elle s’arrêter à la seule représentation ou exposition ?

2/ Des achats plus locaux

Les achats sont une part conséquente des émissions de création des œuvres mais aussi du bilan carbone des structures culturelles. Pour les relocaliser, des réseaux de ressourceries et de parcs techniques mutualisés se développent partout sur le territoire. Le but : donner aux acteurs culturels les moyens de créer avec ce qu’ils trouvent sur place. 

C’est par exemple le cas au Théâtre de l’Aquarium où la compagnie La Vie Brève vient d’installer – avec l’aide de la Région Ile-de-France – une ressourcerie avec une salariée dédiée à la gestion du stock et à la formation des équipes artistiques accueillies. L’idée : toutes les compagnies et tous les orchestres accueillis peuvent utiliser les châssis et matériaux en stock et être accompagnés pour éco-concevoir leurs décors. 

Même chose côté cinéma avec le développement de la ressourcerie du cinéma à Montreuil à qui Brut vient de consacrer une vidéo. 

Ces logiques d’économie circulaire se structurent désormais autour de réseaux dédiés comme le REFER en Ile-de-France (dont font partie, par exemple, la Réserve des Arts à Pantin ou la Ressourcerie du Spectacle à Vitry-sur Seine) ou le RESSAC à l’échelle nationale. 

Ces logiques permettent aussi d’opter pour des acheminements plus locaux parfois via cyclogistique. C’est la démarche que prônent des associations comme Slowfest. De plus grandes structures comme le festival I’m From Rennes ou les Francofolies font déjà appel à un prestataire équivalent pour le transport de leurs besoins techniques sur site via cyclistes ! 

3/ Un levier pour la transition des territoires

En développant ces logiques d’économie circulaire, les ressourceries et matériauthèques assurent des emplois non-délocalisables dans le secteur. Mais en fonctionnant localement, les acteurs culturels peuvent aussi amener la transition là où ils se trouvent. 

Imaginons un instant le choc de demande pour les agriculteurs bretons si le petit million de festivaliers annuels de la région consommaient bio, local et une alimentation végétarienne (un défi au pays de la galette saucisse). Mais ce n’est pas impossible : même les Vieilles Charrues, qui servent des dizaines de milliers de litres de bière chaque jour par pipelines souterrains, s’approvisionnent en bières bretonnes et alsaciennes. Pourquoi ne pas en profiter pour demander également un approvisionnement en bio avec une telle demande assurée ? 

De même, on sait que les restaurateurs et hôteliers du centre d’Avignon réalisent 60% de leur chiffre d’affaires annuel pendant la période du festival. Si leurs prestataires étaient sélectionnés sur des critères de distances ou de pratiques agricoles, le festival pourrait avoir un fort effet d’entraînement dans sa région.

4/ Réduire les jauges, une nécessité

Sauf que les grands événements culturels ne pourront pas massivement relocaliser leurs besoins sans réduire leur jauge. Pourra-t-on vraiment se passer d’une consommation massive d’énergies fossiles pour réunir 400 000 personnes à Clisson ou à Carhaix ? Sera-t-il possible de nourrir les festivaliers d’Avignon avec un régime local en 2030 ? Pourra-t-on maintenir en l’état notre parc de Zénith sans pétrole ? 

Dans le rapport Décarbonons la Culture de The Shift Project, il est estimé qu’un événement qui passait de 300 000 à 30 000 personnes en région rurale pouvait diviser son bilan carbone par 30 à 50. Pas sûr que cela soit du goût des artistes pour qui il est plus avantageux de faire peu de dates dans des lieux dont les jauges permettent de payer d’importants cachets. Malheureusement, cette pratique n’est pas soutenable. C’est en ce sens que le Festival Panoramas a récemment décidé de réduire sa jauge, tant pour des raisons économiques qu’écologiques. Eddy Pierres, son directeur évoquait une nécessité pour “un retour à la sobriété”. 

Là où s’adapter au territoire a un double effet vertueux, c’est que, en plus de dépendre davantage du local, les événements de jauge réduite peuvent plus facilement partager les programmations avec d’autres lieux du territoire. Si vous réunissez 300 000 personnes au milieu d’une zone rurale, le fait qu’une commune située à 30 kilomètres programme le même artiste que vous la semaine suivante est un énorme sujet de tension. Il n’en est rien si vous pouvez comptez sur votre bassin de population pour remplir votre jauge.

5/ Ralentir ou périr

Le ralentissement implique plus de temps sur chaque territoire de diffusion et moins de kilomètres entre chaque diffusion pour réduire l’usage des transports les plus carbonés. Une telle décision permet aux artistes de rencontrer davantage les publics locaux et même d’imaginer d’autres formes d’échanges. 

Dans une tribune écrite au début du confinement, le DJ Simo Cell demandait à réduire son usage de l’avion et proposait de passer plus de temps dans chaque pays de diffusion pour réaliser des featuring avec d’autres artistes, donner des masterclass dans des écoles de musique électronique, travailler sur une nouvelle création… les possibilités ne manquent pas.

C’est déjà ce que font certaines compagnies. Par exemple, la compagnie de musique Organic Orchestra qui, une fois arrivée sur un département, n’y tourne qu’à vélo et donne de nombreux ateliers d’éducation artistique (qui sensibilisent les enfants à l’importance de l’énergie). 

Ce ralentissement a aussi été promu par certaines créations cinématographiques. Ainsi, le documentaire Pourquoi on se bat de Camille Etienne a bien été tourné en partie en Islande… où l’équipe s’est rendue à la voile. De son côté, Cyril Dion aura préféré faire appel à la visio ou à des réalisateurs sur d’autres continents pour le tournage de sa série récemment diffusée sur Arte, Un Monde Nouveau. 

Dans un autre genre, un appel a récemment été lancé pour que la venue des décors des 1 500 productions du Festival Off d’Avignon se fasse par le fret ferroviaire et non plus par la route.

6/ Éco-concevoir les œuvres, pour qu’il y ait encore des œuvres

Éco-concevoir est nécessaire pour limiter les besoins logistiques des créations. Cela signifie travailler sur les achats (matières premières, produits finis, etc.), les procédés de transformation (le fonctionnement des ateliers de fabrication), l’énergie nécessaire en représentation (beaucoup plus importante pour les écrans de Coldplay que pour les concerts à la bougie donnés en ce moment au Sunset Sunside), l’énergie consommée en tournée (déterminée par le nombre de véhicules sur les routes, les masses déplacées et le type de véhicule) et la fin de vie des décors. 

Même dans une esthétique aussi gourmande en énergie que l’Opéra, des chantiers intéressants sont en cours, notamment en standardisant les structures de décors comme le propose l’Opéra de La Monnaie à Bruxelles. Ce type de dispositif limite les impacts sur les achats, les déplacements et la fin de vie des créations. 

7/ Former et changer de politiques publiques

On l’aura compris, si les scénographies gigantesques, la course aux cachets qui fait croître les jauges ou encore le rythme des tournées génèrent autant d’émissions, il apparaît difficile de séparer les artistes de leur bilan carbone.

D’où un besoin urgent de les former tout comme les professionnels de la culture autour d’eux. L’enseignement supérieur culturel forme près de 40 000 étudiants chaque année (près de 10 000 diplômés par an). Une politique de formation initiale et continue apparaît donc comme absolument nécessaire pour embarquer rapidement le secteur sur le chemin de la résilience. 

Par ailleurs, certaines régions ont déjà mis en place des bonus écologiques pour les créations. C’est notamment le cas de la région Ile-de-France sur les tournages. Mais pour en assurer le suivi, les dossiers sont suivis par l’ADEME. A moins de vouloir mettre un salarié de l’ADEME derrière chaque projet culturel (ce qui serait une transition fortement créatrice d’emploi), il paraît urgent de former les subventionneurs autant que les acteurs de la culture. 

Une politique publique ambitieuse mêlant formation, mesures d’impact, appels à projets et éco-conditionnalité des aides devrait voir le jour. C’est, par exemple, la promesse du Plan Action porté par le CNC. Reste que cette dernière n’apparaît pas comme la priorité du gouvernement qui donne près de 430 millions d’euros au secteur culturel pour se “numériser”, déployer la 5G et accélérer la recherche sur la 6G … et moins de trente millions d’euros pour la soutenabilité du secteur dans le plan de relance…

Laissera-t-on la culture mourir ou la changera-t-on pour qu’elle soit soutenable ? 

C’est parce que nous voulons préserver un monde où la culture continue de nous émouvoir que nous voulons qu’elle sorte de sa dépendance aux énergies fossiles. 

Les conséquences de cette dépendance sont lourdes : le réchauffement climatique d’un côté, mais aussi – comme nous l’avons vu plus haut pour les salles qui ferment à cause du prix de l’énergie – la mise en danger de toutes celles et ceux qui travaillent à leurs côtés. Pour reprendre l’expression d’Adam Philips, “si l’art légitime la cruauté, l’art n’en vaut pas la peine”. 

Sans cette transformation nécessaire, nous accepterons collectivement de nous diriger vers une société où seuls le travail, la consommation et le sommeil subsistent (toute ressemblance avec un épisode de Black Mirror, le film Soleil Vert ou une période de pandémie mondiale ne serait pas tout à fait fortuite).